La muerte es un espacio sin fin
Carlos Fuentes

Letra por letra, palabra por palabra, Carlos Fuentes (1928-2012) construyó mediante excepcional talento un importante sitio en el universo literario. El martes 15 de mayo los medios de información anunciaron su repentino fallecimiento. La funesta noticia deja un sabor amargo, duele, las letras se visten de luto, México y el mundo resienten su ausencia.

Vivió para escribir, escribió para deslumbrar, encontró su identidad en la literatura. Se le recuerda como el erudito, el hombre crítico comprometido con su tiempo, el ensayista de análisis profundo y prosa elegante. Existió por y para la renovación de las palabras y es a través de ellas que vive. Cuando recrea el sentimiento del amor en su libro En esto creo, publicado en el 2002, afirma: “es como los ríos ocultos y los surtidores sorpresivos de Yucatán. Nuestras vidas se asemejan a veces a infinitos abismos que no tendrían fin si en el hecho mismo del vacío no corriese un río, plácido y navegable a veces, ancho o estrecho, precipitado otras, pero, siempre, abrazo de agua que nos impide desaparecer para siempre en la vastedad de la nada” .

Fuentes partió en una fecha emblemática: el día del maestro, porque eso fue: el maestro de la literatura, el que delineó pensamientos, el que formó escritores. Ignacio Solares apuntó “yo leía literatura francesa o estadunidense en malas traducciones y, de repente, en un suplemento México en la cultura, que dirigía Fernando Benitez, ví un fragmento de La región más transparente: con ese libro aprendí que también se podía hacer una gran literatura en México. Con eso me hice escritor”.

Narrador inagotable, Carlos Fuentes  dejó tras de sí una inconmensurable obra, su vasta prosa incluye novelas que ya forman parte de la literatura clásica, tal es el caso de La región más transparente (1958), La muerte de Artemio Cruz (1962) y Aura (1962), de la anterior el poeta Hugo Gutiérrez Vega, dijo al periódico La Jornada: “es una novela corta, genial en muchos aspectos, una obra de arte”. Su primer libro Los días enmascarados se publicó en 1954 y desde entonces, el tintero no tuvo descanso.

Escribió guiones para cine y fue un fiel amante del periodismo y la historia; magistralmente abarcó el género del ensayo y el cuento. Otras de sus obras más importantes son: Las buenas conciencias (1959), Cantar de ciegos (1964), Cambio de piel (1967), Terra nostra (1975), Agua quemada (1981), Gringo viejo (1985), Cristóbal Nonato (1987), La campaña (1990), El espejo enterrado (1992), La frontera de cristal (1995), Los años con Laura Díaz (1999), En esto creo (2002) y La Silla del águila (2003), entre otras.

Su pluma desconocía la fatiga, da constancia Personas, libro que saldrá a la venta el próximo mes y cuya promoción ya estaba planeando. Como el mismo escritor señaló tener siempre un proyecto, ya lo estaba esperando otro libro, su última novela: Federico en su balcón, una conversación imaginaria con Nietzsche, la cual se presentaría el mes de noviembre en la Feria Internacional del Libro de Guadalajara. Además, en los próximos días aparecerá el libro El siglo que despierta, conversaciones de Fuentes con el expresidente chileno Ricardo Lagos, acerca de problemas de América Latina.

En el transcurso del camino no olvidó que la crítica forma parte de la construcción del pensamiento libre, y siendo un hombre congruente con sus ideas, resaltó la ignorancia de Enrique Peña Nieto, imperdonable para una persona que pretende ser presidente de México. Cuestionó con gran lucidez al sistema político mexicano, señaló que “la tradición de México es una tradición autoritaria, no democrática. Desde los emperadores aztecas, los virreyes españoles, los gobiernos republicanos del siglo XIX, quizá con excepción de Juárez, los gobiernos del siglo XX, quizá con la excepción de Madero, todos han sido gobiernos de tipo autoritario”.

Tampoco se apartó de los temas sociales, convocaba a la lucha por la democracia, decía “es necesario profundizar una cultura democrática, es decir, hacer una lucha desde la base: la democracia no se concede desde arriba, se gana desde abajo y hay que ganarla en las luchas sociales, desde las aldeas de México, desde las escuelas de México”. La sociedad mexicana sabe de su reclamo, de la indignación que le causaba la desigualdad que vive el país, de la falta de oportunidades para los jóvenes. Pero también de la esperanza que no desfalleció por ver un México democrático y justo.

Por ello, en el homenaje nacional que se le rindió en el Palacio de Bellas Artes, más allá de los halagos institucionales, la presencia del pueblo de México fue para Carlos Fuentes la mejor ofrenda y el tributo más sincero. Al narrador extraordinario, de prodigiosa imaginación, no se le puede decir adiós, porque con la obra que heredó está su permanencia, la presencia de la ausencia.

Celebración de aniversario; el Festival Internacional Cervantino (FIC), encuentro artístico más importante de Iberoamérica y el quinto a nivel mundial, celebra con brillo y plenitud cuarenta años de existencia.

El 29 de septiembre de 1972, en Guanajuato, denominado por los chichimecas “lugar donde habitan las ranas”, vio por primera vez la luz el FIC. Heredero de los Entremeses cervantinos, espectáculo ya tradicional, creado a partir de textos del dramaturgo Miguel de Cervantes Saavedra. Honor a quien honor merece, y en retrospectiva, es indispensable mencionar a Enrique Ruelas Espinoza (1913-1987), fundador del grupo de teatro de la Universidad de Guanajuato y pionero en México del teatro al aire libre.

Con la dedicación de Ruelas y su compañía se dio a conocer de manera mundial a la ciudad del bajío, denominada en 1988 por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) Patrimonio Cultural de la Humanidad, y para beneplácito de los mexicanos digna capital de la celebración cervantina.

Pasado y presente se entrelazan en el concierto cervantino. Son cuarenta años de alimentar el alma y el espíritu de los seres humanos a través de la música, la danza, el teatro, la ópera, la literatura y las artes visuales. Con paso firme camina por senderos de fertilidad, a lo largo de su existir han participado artistas de 92 países en 2 mil 117 espectáculos de música, 797 puestas en escena, 530 coreografías, 654 exposiciones de artes visuales y la proyección de 815 películas.

Talento, creatividad, entrega y entusiasmo son los ingredientes que mantienen con lozanía al festival. Durante cuatro décadas se han presentado figuras y agrupaciones de extraordinario talento, cabe mencionar a Joan Manuel Serrat, B.B. King, Joan Baez, Lazar Berman, Krzysztof Jokowicz, Eugenio Toussaint, el Ballet Bolshoi, el Ballet de la Ópera de Armenia, el Ballet Folklórico de Amalia Hernández (que ha tenido una presencia constante en el encuentro), la Filarmónica de Nueva York, la Royal Shakespare Company, el Teatro Abierto de Belgrado, el Teatro Húngaro de Marionetas, el Teatro Japonés Sankai Juky y los Tigres del Norte, entre otros.

La tradición del Cervantino sigue viva, en días recientes el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) dio a conocer la programación de la edición número 40 del Festivval. Hace doce años que el FIC tuvo a sus primeros invitados de honor: Australia y Veracruz, hoy los invitados del intercambio cultural y artístico son: Austria, Polonia, Suiza y el estado de Sinaloa.

En la presentación estuvieron presentes los embajadores de cada país y el gobernador de Sinaloa. Por la tríada de los países invitados tomó la palabra Anna Elzbieta Niewiadow, embajadora de Polonia, quien destacó la participación de sus artistas, ponderando el espectáculo polaco Rock Jazz Chopin que tiene a su cargo la inauguración el día 3 de octubre en la explanada de la Alhóndiga de Granaditas, además de Anna María Jopek, vocalista, pianista y compositora polaca que tiene reservada su participación y la música clásica y contemporánea de Polonia estará ejecutada por la Orquesta de Cámara de la Filarmónica de Varsovia.

Suiza también presentará una gama artística interesante, destaca el Ballet du Grand Théatre de Genéve que deleitará al público con la puesta en escena Glory con la música de Georg Friederich Haendel y la exposición Azul Nopal de Roger Von Gunen, pintor que reside en México y la naturaleza de Morelos es uno de los máximos elementos de su inspiración.

Austria no podía quedarse atrás con sus creadores, su aportación especial es un performance de multimedia-danza y orquesta, llamado Le sacré du printemps del famoso Festival de Arte Multimeda Ars Electronica Futurelab de la ciudad de Linz. La actividad es una de las primeras realizaciones que combina una orquesta sinfónica, una bailarina y una proyección estereoscópica en vivo. También, el país europeo traerá a México el Burgtheater de Viena considerado como uno de los teatros más famosos de Europa, con una de sus escenificaciones más espectaculares, la obra Dorian Gray de Oscar Wilde.

La calidez de Sinaloa se dejará sentir en la fiesta cervantina con la participación de alrededor de 500 artistas. En la música deleitará los sentidos de los asistentes la Orquesta Sinfónica Sinaloa de las Artes (OSSLA), la Banda El Recodo y a Lili Vélez’ Trio. La danza se engalana con la agrupación Delfos, la Compañía Folclórica Sinaloense y Danza Joven de Sinaloa. Se contará con la presencia de poetas como Jaime Labastida, proyectos de artes visuales, cuentacuentos y una muestra gastronómica con los platillos típicos del estado.

Además del abanico cultural de los invitados de honor, el Festival contará con otras figuras universales como el maestro Riccardo Muti dirigiendo a la Orquesta Sinfónica de Chicago, la visita por primera vez a México de Arvo Pärt, compositor que será homenajeado por la Orquesta de Cámara Sinfónica de Estonia y el Coro de Cámara de Tallinn, la participación de la primera bailarina mexicana de la Ópera de Berlín: Elisa Carrillo, el Ensamble de Música Antigua de los Tiempos Pasados, la Camerata de Salzburgo y el tener mexicano Javier Camerena.

No podía faltar el espectáculo para el público infantil y juvenil, se contará con la presencia de la Compañía Viajeinmóvil, el Colectivo Mínimo Cuerpo, y para los adolescentes habrá conciertos de música electrónica y de rock, en ellos participarán Shantel & Bucovina Club Orkestar, Electro Guzzi, Enjambre y Sak Tzevul.

Además de la música, la danza y el teatro, el Cervantino ofrecerá 17 exposiciones de artes visuales, entre las que destacan Escrituras y 80 Vicente Rojo del maestro Vicente Rojo, con las que se conmemoran ocho décadas de vida. El programa académico incluye una serie de talleres, clases magistrales y conferencias. Para quien gusta de los libros y la lectura podrá visitar la Segunda Feria del Libro de las Artes. De igual manera se llevará a cabo el Tercer Coloquio Internacional Territorios del Arte Contemporáneo y en esta edición, se convoca al certamen de cuento Sucedió en el Cervantino, el tema será narrar en forma de cuento una experiencia verídica ocurrida en la longeva vida del Festival.

La programación de la 40 edición del Festival Internacional Cervantino es vasta,  múltiple, pero no por ello pierde calidad. El crisol de arte y cultura está a la altura de su denominación: ser uno de los festivales más importantes del mundo.

Para mayor información de los artistas, sedes y horarios, visita aquí la página.

Del 18 al 26 de mayo se llevará a cabo la XXV edición de las Jornadas Alarconianas, encuentro teatral que reúne a diferentes artistas, especialistas y agrupaciones en torno al quehacer escénico.

Dedicado a la memoria de Juan Ruiz de Alarcón (1580 o 1581-1639), las Jornadas Alarconianas celebran 25  años de construir un diálogo artístico que reúne exponentes de difentes partes del mundo, los cuales entrarán en un diálogo durante diez días, a través de puestas, talleres, presentaciones de libros y mesas redondas. Ha pasado un cuarto de siglo desde que el director teatral Héctor Azar realizó el primer encuentro que retomaba la figura del escritor novohispano, ver al teatro desde la pluma y acto de convertir las palabras en escena.

Originario de Taxco, Guerrero, Juan Ruiz de Alarcón fue autor de obras como La verdad sospechosa, La prueba de las promesas, Los pechos privilegiados y Quien mal anda en mal acaba. Alarcón fue considerado uno de los exponentes más representantes del Siglo de Oro Español.

Las Jornadas Alarconianas en esta edición, festejará un cuarto de siglo de vida con representantes de Argentina, Chile, Venezuela, Italia y México. Algunas de las obras que se ofrecerán son La secreta obscenidad de cada día, escenificada por su propio autor (Marco Antonio de la Parra) con el grupo Corral Plateresco de Chile; La paz de Aristófanes, bajo la dirección de Juan Carlos Vives; El gallo de Claudio Valdes Kuri; Lírica, dramaturgia y dirección de Gustavo Ott; El viaje de Tina de Bertha Hiriat, bajo la dirección de Alicia Martínez, y Regina catrina, espectáculo cabaretero de la cantante Regina Orozco.

Otras obras que integran la programación son Riñón de cerdo para el desconsuelo de Alejandro Ricaño, El reino de las salamandras de Conchi León, Edi y Rudy de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterios, La misa de gallo de Alejandro Román e Inmolación de Enrique Olmos de Ita.

En la inauguración, previa a una gala de ópera, se entregará el Premio Juan Ruiz de Alarcón 2012 al dramaturgo, actor y funcionario público Luis Mario Moncada, además se realizará un homenaje a Héctor Azar, fundador del encuentro y se entregará un galardón especial a Miguel Sabido por su trayectoria.

Luis Mario Moncada Gil (1963), autor de obras como Opción múltiple, 9 días de guerra en Facebook, El diccionario sentimental y Superhéroes de la aldea global, fue acreedor por unanimidad del galardón. El jurado estuvo integrado por el director Enrique Singer y los críticos de teatro Luz Emilia Aguilar Zinser y Braulio Peralta.

Para mayor información, consultar el sitio del Gobierno del Estado de Guerrero.

Una sala Miguel Covarrubias llena de jóvenes, quienes esperan a las 19:05 el arribo de una figura menudita al recinto, que es recibida con aplausos de pie y un clamor: ¡E-le-nita, E-le-nita! Así comienza el homenaje que la UNAM rindió a una de sus doctoras Honoris Causa en su 80 aniversario.

Hélène Elizabeth Louise Amélie Paula Dolores Poniatowska Amor mejor conocida como Elena Poniatowska, en palabras de Marta Lamas, es la escritora contemporánea más importante y más querida, un ícono de la izquierda y santa patrona de las feministas. Dice María Teresa Uriarte, directora de Difusión Cultural en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), que la escritora no ha dejado de “hacerle preguntas a la vida y a su tiempo”.

En el festejo especial que le rindió la Máxima Casa de Estudios se le ve rodeada de amor, rencuentra  conocidos en la butaquería y les envía besos y saludos. En la mesa la esperan los “amigos sin tregua”, los que la han acompañado en el recorrido: Rafael Barajas El Fisgón, Carlos Bonfil, Evangelina Corona, Marta Lamas, María Consuelo Mejía Piñeros, Juan Villoro, el rector José Narro Robles y los ex rectores Juan Ramón de la Fuente y Guillermo Soberón.

Comienza a proyectarse un video en el que vemos a Elena entrevistada sobre su historia y obras, contando sus travesuras con gesto de niña. La autora, mientras tanto, en la mesa, reacciona a lo que escucha (la proyección está a sus espaldas) y sonríe, recuerda, asiente o desmiente, su rostro deja traslucir emociones al escuchar cómo los que la quieren hablan sobre ella. El público la acompaña en sus reacciones y ríe.

Toma la palabra Rafael Barajas, quien había prometido hacer un “vituperio” de Elena Poniatowska. No encontró materia prima para la maledicencia, dice. Así que escribió un cuento de hadas que comparte ahora. La Princesa Selenita, se intitula, y narra cómo varias hadas visitaron a la princesa y cada una le regaló un don. El hada Atenea le concede el don de la inteligencia, el hada Afrodita la hace muy bonita, el hada Calíope la dota con el don de la elocuencia escrita, el hada Calíope le otorga un profundo sentido de la justicia, “amará a su pueblo y será muy amada por él”. Pero hace su aparición el hada Malévola, furiosa por no haber sido invitada, y la maldice:

[...] te condeno a vivir en un país del tercer mundo. No sólo no gobernarás, sino que vivirás enfrentada a príncipes mezquinos, crueles y tontos; tendrás un profundo sentido de la justicia, pero esto hará que sufras las injusticias ajenas y te obligará a actuar con honestidad y congruencia toda tu vida. Y ésta, señorita, en un país de autoridades corruptas, es la Maldición Suprema.

Pero en el cuento, como en la vida real, hace esto que Poniatowska se entregue en cuerpo y alma a un periodismo siempre ético, a un compromiso total con la realidad del país al que llegó de niña en un barco y que la hizo suya como suyo es. La Princesa, al final, “le dio voz a los que no la tenían, a los pobres, a los perseguidos, a los disidentes, a los inconformes”, desafiando las versiones oficiales de frente cuando sólo se hablaba de ello en susurros.

Fuerte es el Silencio, es, por ejemplo, una de las “primeras versiones abiertas que se hicieron en México sobre las desapariciones forzosas”. Varios, pero sobre todo varias, han hablado a través de la prosa de Elena, desde Josefina Bórquez (Jesusa Palancares) hasta Paulina, la niña que fue violada y a quien se le negó el derecho de decidir sobre su cuerpo, pasando por Angelina Beloff y Leonora Carrington.

La calidez de la prosa de la escritora es destacada por el crítico de cine Carlos Bonfil, quien apunta también que la capacidad de indignación de la escritora se ve matizada por la calidez de su trato. Califica a Elenita de tener una inagotable vitalidad, lo que fácilmente se comprueba al observar a esta mujer de extraordinaria lucidez, que esta noche continúa recibiendo muestras de afecto y sonriéndose alegre.

Toca el turno a Evangelina Corona. Compara al terremoto de 1985, el evento que marcaría su vida como marcó -incluso para los que no habíamos nacido aún- la vida de la ciudad de forma irreversible, como una “mujer de parto que da a luz personas, que da a luz a una fulana que de la máquina llega a la representación sindical como Secretaria General.” Esta mujer habla del corazón como de un edificio en el que habita mucha gente, Elena Poniatowska incluida. Con voz que ya se nota afectada por la emoción, Doña Eva agradece la amistad de esta profeta que denuncia (¡porque cómo hace falta denunciar a los mexicanos!) todas las anomalías que han sucedido en este país. ¡Viva Doña Elenita!, termina su participación.

Marta Lamas habla de la escritura de Poniatowska como indagación y alabanza de las mujeres inconformes y bravas. “admira el coraje que despliegan para enfrentar sus destinos y también recrea con finura la vida de mujeres artistas que han vivido intensamente esa triada de amor, arte y política.” Retrata artistas rebeldes y también a la amante abandonada, Angelina Beloff, con quien recorre “el camino de desconsuelo que muchísimas mujeres han transitado, y retrata sin concesiones la herida del amor no correspondido.” Parece que las penurias de las mujeres son su obsesión, cuando se indigna Elena exclama “Este mundo no es para las mujeres.”

Una mujer alerta, comprometida y proverbialmente generosa, ha acompañado y avalado muchas causas feministas, apoyando incluso a sectores fuertemente estigmatizados, como el de las trabajadoras sexuales, quienes buscaban un albergue para sus compañeras ancianas. Desafiando las convenciones en las que fue educada y avergonzándose de sus provilegios, sigue la periodista la máxima de Renán: “uno no debe escribir más que de lo que ama.”

Esto se aprecia claramente en la pasión por México que desborda su escritura, abunda Lamas. Ser mexicana, estaba ya dentro de Elena “Este es mi país, quiero hacer algo por él.” En Luz y Luna, las Lunitas ella misma relata cómo “México estaba dentro, era un animalote dentro, un animal fuerte, lozano, que se engrandecía hasta ocupar todo el lugar.” Y describe Marta cómo Poniatowska fundó una manera de escribir con un rotundo sabor mexicano.

María Consuelo Mejía Piñeros, directora de Católicas por el Derecho a Decidir, y quien fuera llevada con la madre de la homenajeada para mostrarle que dentro de su iglesia existen opciones; cuenta que Elena transmite un mensaje liberador. Ella, siempre generosa, está donde los que la quieren la necesitan, tanto que relata la anécdota de un hombre que llamó por teléfono a la escritora pues soñó que lo ayudaba. “¡Pero dígame qué hice en el sueño, porque yo no sé, yo no lo soñé, dígame qué hice y lo hago!”, le respondía Poniatowska.

Toma el micrófono Juan Villoro, para hablar de Elena como responsable de mucho de lo que se sabe en este momento, gracias a su entrega con las “causas perdidas” por las que aboga, ya que la indiferencia no permite la crónica. Además califica a la homenajeada como una “Cronista del Fuego”, con una estrategia suave, y, por lo tanto, “difícil de vencer”. Con una ingenuidad “fingida”, logra hacer confesar a sus interlocutores lo que ellos a veces no quisieran confesar, y es su curiosidad un gesto profundo de respeto y generosidad. Elena, entonces, interroga al mundo como un ángel, pero recuerda el poeta la frase de Rilke: “Todo ángel es terrible.”

“Entre todos los escritores mexicanos, la más valiente es una mujer”, dice Villoro, y habla de cómo la gente sin historia narra su vida literariamente a través de la pluma de Elenita. Los mexicanos de hoy nos asomamos al “espejo oracular” del que nos dota la cronista, tal y como los antiguos se asomaban al de Tezcaltlipoca.

Habla el rector de la Máxima Casa de Estudios y manifiesta la gran satisfacción que le da acompañar a Elena Poniatowska en el homenaje. Califica de acto de justicia el que la UNAM reconozca a una de sus doctoras Honoris Causa, cuya vida y obra son elementales para la comprensión de la realidad mexicana. Porque Elena no sólo es una escritora y periodista multigalardonada, sino también ciudadana ejemplar, llena de valor cívico; dotada de inteligencia, claridad, belleza interior y exterior y, por si no fuera poco, sentido del humor. Y con la frase: “Enhorabuena, Elenita. Gracias por la esperanza”. Pasamos a escuchar las esperadas palabras de la mujer que reúne a todos esta noche.

Poniatowska agradece a Rosa Beltrán por organizar, junto con Marta Lamas, el homenaje. También a Teresa Uriarte  su apoyo y presencia. Y después a los “tres mosqueteros” (Narro, De la Fuente y Soberón), que “defienden a la UNAM y a sus estudiantes, y la abren al diálogo y a la discusión. Y que gritan en el estadio cuando ganan los Pumas.” (Elena empieza un Goya que germina algo tímido aún). Cambia su tono de voz al hablar del estado actual de México, “un país al que todo le duele. Enfermo de corrupción, infectado de violencia. Pero si uno se acerca a su corazón escucha un latido tan enérgico que lo pone a temblar. El de su juventud.”

La población joven del país representa para la escritora su “fuerza, inspiración y orgullo.” Manifiesta creer en los jóvenes como en el “Santo Niño de Atocha en el que confiaba Jesusa Palancares.” Sin embargo, “la tienen difícil”, pues casi no hay oportunidades para este sector de la población, el que desde siempre se identifica con los grupos que el gobieno trata de sepultar, pero resucita en el cambio de poderes, con fines electorales. Son una fuerza poderosa, que ella desconocía hasta antes del ‘68, año en que el régimen mostraba lo peor de sí y los estudiantes lo mejor. Fueron ellos quienes le enseñaron a denunciar y a resisitir. “No tenían armas, sino deseos de hacer el amor, de alfabetizar a niños sin escuela y a muchachas bonitas que tallan su ropa en el lavadero.”

Elenita se presenta ante los asistentes que la aman como lo que es, una mujer de 80 años, madre de tres hijos y abuela de diez nietos. Se recuerda joven junto a sus amigos, y descarta haberse convertido en todo aquello contra lo que luchaban a los 20 años, como en el poema. Cuenta el recuerdo que comparte con Juan Ramón de la Fuente, de ver desde los ventanales de la Torre de Rectoría de la UNAM a un grupo de muchachos, y escuchar al rector decir: “Es a ellos a quienes tengo que cuidar.” Le da la razón. Es a ellos a los que, los que ya vivieron, termina Elena, tienen que cuidar.

La sala vuelve a verse llena de aplausos. Los nietos de la Princesa Roja suben al estrado a acompañar a su abuela que ahora porta orgullosa el reconocimiento que ha recibido de manos de Narro Robles, y, ahora sí, el Goya resuena pleno y retumba en las paredes de la Covarrubias. Elenita se retira, sus lectores suben tras ella pero no logran alcanzarla, aunque algunos se distribuyen entre los otros oradores. Todavía algunos jóvenes la esperarán a la salida de la sala, protegidos por el calor de quien ha recibido dulces promesas de una gran mujer.

El actor y productor Carlos Balderrama se lanza, junto con el dramaturgo Martín López Brie y el director Ginés Cruz, a hablar sobre la violencia en sus diferentes niveles.

Un hombre se confiesa ante una grabadora, habla sin parar, por momentos de manera frenética, sobre una relación amorosa (tormentosa) con una mujer, enigma que engarza la fuerza del narcotráfico, la corrupción en las esferas policiacas, la función de los medios de información en la cobertura de las noticias y la fidelidad hacia uno mismo en un contexto desolador.

“El personaje lo encuentro en un conflicto, es manipulable ya que todo el mundo le dice que hacer, entonces la inseguridad y la debilidad lo dominan. Lo que rescato es el conflicto humano, cuando él abre y dice lo mal que está pasando, que no sabe qué hacer; el tipo de codependencias en las relaciones que nunca tenemos el valor de decidirlas”, afirma Carlos Balderrama, actor del monólogo Malas palabras.

Balderrama, egresado del Centro Universitario de Teatro (CUT), es el encargado de interpretar la obra, escrita por Martín López Brie y dirigida por Ginés Cruz, que se adentra en el relato de un hombre acostumbrado a relatar sobre descabezados, la sangre que forma figuras en el suelo, ajustes de cuentas y cientos de desapariciones.

Sin embargo, Manuel Vera, reportero del periódico El Poniente, cuenta la historia de una mujer que lo llevo a los terrenos del infierno personal y social. Mientras habla de eso que al él le importa, limpia el piso, los utensilios, es minucioso, se da cuenta que está entrampado en dinámicas destructivas, de celos y coraje tragados, mientras los latidos del corazón van creciendo. En las relaciones (de poder) siempre “alguien tiene que estar compitiendo y terminan con un rencor, que estalla por alguna cosa muy insignificante y se cantan todo”.

La idea de la obra surgió del actor, quien se sorprendió con varias noticias que leyó y escuchó de violencia hacia el hombre. “Platiqué con Martín López Brie y sin que yo le dijera nada, él me empezó a contar un caso y se armó la química, entonces empezó a trabajar en el texto, y por cuestiones de trabajo no se había podido aterrizar, y a principio del año se concretó”, puntualizó el actor originario de Sonora.

Testimonio de una violencia enmarcada en un contexto general de locura, odio, rencor y destrucción, la obra también desenmascara al macho mexicano, al hombre que nunca pierde, que no se deja de nadie, que las puede todas, el machín que manda, el que se construye a partir de ser el protector, el que genera el patrimonio. Aquí, el hombre tiene agallas y fuerza, sin embargo se da cuenta que está rebasado por todo su entorno, por el amigo de su cuñado, por la policía, por su propia mujer, se construye a partir de la duda.

Malas palabras cuenta con la dirección de Ginés Cruz, realizador de obras como Los prohombres, Las alas del pez y Nada es para siempre. “Es mi compañero del CUT, que últimamente ha tenido mucho éxito como director; a mí me gusta el dinamismo que propone y que te pone a hacer. Cada que veo sus obras digo ‘que bárbaro, cómo hace todo”.

Pensada como una declaración para un comandante, Manuel regresa a su rutina y decide utilizar su instrumento de trabajo, la grabadora, para convertirse en su propio entrevistador, que al estilo práctica psicoanalítica, va diciendo lo que más le importa, chistes misóginos y por fin gritar su desesperación.

Para Balderrama es una gigantesca responsabilidad hablar del tema en el teatro, por tal razón realizó una investigación sobre la situación de la violencia hacia el hombre. “Tenía un maestro en el CUT que decía ‘piensen muy bien lo que van a decir cuando suban al escenario’. De qué voy a hablar, por qué voy a hablar de esto, para qué”.

El actor considera que la función social del teatro es “llevar al escenario fragmentos de la realidad, de alguna manera en distintos géneros teatrales, en este caso el humor negro, hacemos risa de la tragedia del otro, pero por dentro es contundente el golpe que da.”

El final queda en el aire, cada quien toma postura, existe controversia. En el estreno, me dijo una amiga ‘las que más se reían eran las mujeres y los hombres estaban callados, dominados’, en otra función hubo un silencio absoluto”. A partir de la obra a Balderrama le han llegado cartas del público que le comparten su historia, así ha conocido al hombre que va al Ministerio Público a levantar una denuncia contra su esposa y recibe como respuesta: “Qué no es hombre”, o el joven que harto de que una chica lo zapeara, decide golpearla.

Carlos Balderrama puntualiza que no es una apología del hombre, sin embargo es sorprendente cómo en una sociedad que se habla de equidad, existan malos tratos, ya sea del hombre hacia la mujer, de la esposa al marido, de los padres a los hijos. Una mirada distinta de lo no tan común dentro de lo común.

A un mes de haber estrenado, Malos tratos viajó a Nayarit para ofrecer una función en la Universidad del Estado y tiene previsto presentarse en un congreso de la Escuela de Policías del Distrito Federal. El equipo creativo lo completan Carolina Jiménez (escenografía, iluminación, vestuario y utilería) y Carlos Aach (escenofonía).

Malos tratos se presentará los viernes 11, 18 y 25 de mayo, a las 20:30 horas, en el Foro Luces de Bohemia. Orizaba 193, Colonia Roma. Localidades: 150 pesos con descuentos a maestros, estudiantes y adultos mayores.

Solo hay que ver detenidamente el cartel que anuncia la edición 32 del Foro Internacional de la Cineteca para saber cuál será la naturaleza de este evento: podemos ver una parvada de pájaros que sale a través de una etérea ventana y se dispersa en diferentes direcciones. Del mismo modo, y debido principalmente a las obras de remodelación que se llevan a cabo en estos momentos en la sede principal; por vez primera el foro se proyectará en las sedes alternas de la Cineteca Nacional y de forma simultánea en dos circuitos de exhibición del área metropolitana. Dichos circuitos están divididos en dos.

El Circuito 1 se realizará en Cinemex Polanco, Cinemex Insurgentes, Cinemex Altavista, Lumiere Reforma, Cinemark Pericoapa, IPN Medicina, IPN Zacatenco, The Movie Company y Cine Morelos, en Cuernavaca. Circuito 2 a efectuarse en Cinépolis Universidad, Cinépolis Perisur, Cinépolis Diana, Sala Julio Bracho CCU UNAM, CCU Tlatelolco, Cinemanía Loreto, Cinematógrafo del Chopo, La Casa del Cine, Cinemanía Huayamilpas, Lumiere Texcoco y Cine Lido. Posteriormente, el foro visitará más de 22 plazas del interior de la República como parte del programa Cineteca Va.

Pero… ¿qué podremos ver en la edición del foro?

En 2012 se reúnen 17 títulos provenientes de todas partes del mundo, desde Grecia, Hungría, Suecia, Dinamarca, España, Francia, hasta Irán, Líbano, Chile, Colombia y Argentina; y que van del documental a la ficción hasta llegar a los terrenos de la animación.

Entre los títulos destacados del presente Foro se encuentra Melancolía (Melancholia, Dinamarca-Suecia-Francia- Alemania, 2011) del siempre polémico Lars von Trier; filme apocalíptico por el cual Kirsten Dunst se alzó con el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes 2011, además de ser reconocido con los máximos galardones en los Premios del Cine Europeo, entre ellos el de mejor película y cinematografía. Von Trier, realiza en Melancolía un descarnado y lírico análisis del mundo y el alma donde confluyen la ciencia ficción y la piscología, todo ello bajo los acordes de Richard Wagner y una estética que seduce los sentidos. También en el apartado de ficción, es necesario menciona la presencia de Amnistía (Amnistia, Albania-Grecia-Francia, 2011), ópera prima de Bujar Alimani, historia de amor  inmersa en un contexto en el que un país en conflicto busca su identidad, galardonada con el Premio de la Crítica y el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine Europeo en Lecce 2011.

En la parte documental, podemos mencionar a No es una película (In film nist, Irán, 2010) de Jafar Panahi y Mojtaba Mirtahmasb, una denuncia de la situación de impotencia y desesperación que enfrentan los cineastas iraníes ante la censura oficial del gobierno que los encarcela por defender la libertad de expresión; y Pequeñas voces (Colombia, 2010) de Jairo Carrillo y Óscar Andrade, reconocido en el 2011 con el India Catalina al mejor documental en el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias  y con la Mención de Honor en el Festival de Cine de Derechos Humanos de Buenos Aires, el cual combina entrevistas y dibujos animados que nos describen los sueños, anhelos y esperanzas de un grupo de niños desplazados de su comunidad por las terribles condiciones de caos y violencia imperantes en su país.

Y representando al país anfitrión, nos encontramos con los filmes Un mundo secreto de Gabriel Mariño, que fuese recientemente ganador del Premio Mezcal y Cinecolor a la mejor ópera prima en el Festival Internacional de Cine de Guadalajara, y El velador de Natalia Almada, la realizadora del documental El general (2009), quien reflexiona en torno a las raíces de la violencia y la cultura de la muerte en el filme ganador al mejor documental en el Festival Internacional de Cine de Bratislava 2011.

La selección 2012 del Foro es complementada por Un amor apasionado (Angèle et Tony, Francia, 2010) de Alix Delaporte, Abrir puertas y ventanas (Argentina-Suiza, 2011), ópera prima de Milagros Mumenthaler; De jueves a domingo (Chile-Países Bajos, 2012), también primer largometraje de Dominga Sotomayor, Tabú (Tabu, Portugal-Brasil-Alemania-Francia, 2012) del destacado crítico y cineasta portugués Miguel Gomes, Pájaro azul (Blue Bird, Bélgica, 2011), segundo largometraje del bailarín y cineasta belga Gust Van den Berghe; Alps: Los suplantadores (Álpeis, Grecia, 2011) de Giórgios Lánthimos (Diente de Perro, 2009), ¿Adónde vamos ahora? (W halla’la wayn, Francia-Líbano-Italia-Egipto, 2011) de Nadine Labaki, La lección de pintura (Chile-México-España, 2011), regreso cinematográfico de Pablo Perelman (tras 20 años de ausencia); Michael: Crónica de una obsesión (Michael, Austria, 2011), perturbadora ópera prima de Markus Schleinzer, y el documental El mocito (Chile, 2010), de la dupla Marcela Said y Jean de Certeau (Opus Dei, una cruzada silenciosa, 2006).

La inauguración de la 32 edición del Foro tendrá lugar el próximo 9 de mayo en The Movie Company a las 19:30 horas, y correrá a cargo de la cinta Play. Juegos de hoy (Suecia-Dinamarca-Finlandia, 2011) de Ruben Östlund (Involuntario, 2008), quien se alzó con los reconocimientos al mejor director en el Festival Internacional de Cine de Gijón y en el Festival Internacional de Cine de Tokio 2011, por esta historia acerca de un caso de bullying que reflexiona sobre la complejidad de las relaciones humanas.

Así pues, a partir del 11 de mayo, la ventana esta abierta, y las diferentes propuestas cinematográficas emprenderán el vuelo para posarse en diversas sedes desde las cuales brindarán una variada oferta cinematográfica. Si quieren saber la ubicación de la sede más cercana a ustedes, visiten el micrositio del 32 Foro Internacional de la Cineteca. También podrán tener la información disponible de manera impresa, a través de programas de mano que se otorgarán de manera gratuita en todas las sedes, las cuales pueden conocer visitando el sitio de la Cineteca Nacional.

Cobertura especial de la cuarta edición del Festival Cinema Planeta. Festival Internacional de Cine y Medio Ambiente de México

Un primer vistazo a las Islas Marshall nos remite directamente al paraíso. Este archipiélago del Pacífico cuenta con agradables climas, mares tibios de azules espléndidos, gente amable y sonriente y una historia de pruebas nucleares llevadas a cabo por el gobierno estadounidense desde los años cincuentas que afectaron severamente a los pobladores originales del lugar. El polémico caso es presentado por el realizador estadounidense Adam Jonas Horowitz (productor, director, guionista, camarógrafo y editor del filme) en el documental Nuclear Savage, ganador del Premio del Público en la cuarta edición del Festival Cinema Planeta.

Los testimonios y documentos son contundentes: Estados Unidos condujo un programa de experimentación en seres humanos, denominado Proyecto 4.1 para estudiar los efectos de la radiación en seres “salvajes, pero ciertamente más parecidos a nosotros que los ratones”, como lo describe una película informativa de los años cincuenta.

Estas personas habrían sido expuestas a la explosión de una bomba de hidrógeno, cuyo nombre clave era “Bravo”, mil veces más destructiva que las detonadas en Hiroshima o Nagasaki. Lo más grave, que las quemaduras, las malformaciones genéticas, las enfermedades que cobran vidas entre los pobladores y la miseria en la que se ven sumidos al ser refugiados en su propio país, fueron completamente intencionales y premeditadas. La película hace ver, además, que el gobierno estadounidense no está dispuesto a asumir la responsabilidad de haber causado un daño tan severo en la población del atolón de Rongelap.

De reciente estreno (sólo hace cuatro meses desde su primera exhibición), Nuclear Savage ha encontrado una fuerte oposición a que se exhiba en su país de origen. “Ha sido difícil que la proyecten”, declaró Horowtz a Fusión14. El cineasta lo achaca al miedo que tienen los estadounidenses de criticar a su gobierno, o el hecho de que los medios de comunicación masiva los “atontan”. Por fortuna, y gracias a Cinema Planeta, la película se mostrará en el Lincoln Center de Nueva York, en mayo.

El director, que por primera vez visita nuestro país de manera no turística, se confiesa sorprendido por el interés que demuestra la gente en la película. “Yo soy un gringo, y la historia habla de lo que hizo Estados Unidos en otro país, las Islas Marshall”, sin embargo, lo que se revela como una inspiración para él es el hecho de que la historia cruza fronteras. “Toca al Ser Humano, sin importar lengua o cultura.” Y esto se traduce en una verdadera inspiración para seguirla exhibiendo, un “buen descubrimiento”.

Hacer películas, a pesar de las apariencias, es calificado por Horiwitz como pesado y solitario. Involucra muchas horas frente a una computadora, editanto. Pero notar el entusiasmo e interés de la gente, percibir su deseo de conocer más sobre el tema, responder a sus preguntas, resulta una buena recompensa. Sumado a esto, conocer a la gente de Rongelap, ver su valor, y la lucha que siguen conduciendo, le dio fuerza al realizador para contar la historia. Los temas dan miedo, pero, según el balance final que él mismo lleva a cabo, todo ha sido una “maravillosa experiencia”.

Tristemente, el tema ha sido dejado de lado en la presente administración. Sin embargo, se espera que la presencia de la película en Festivales de Francia, Italia y México cause una necesaria resonancia.

“Siempre he estado interesado en los Derechos Humanos, el medio ambiente, asuntos relacionados con la supervivencia”, responde Horowitz al preguntarle si seguirá abordando este tipo de temas en sus películas. “Es nuestro trabajo, de todos nosotros, hacer estas películas.”  En estos filmes de justicia “ya no es cuestión de que unos sean ambientalistas y los otros no, es trabajo de todos”, redondea el cineasta.

Nuclear Savage se presentará en la Sala Lido, sede alterna de la Cineteca Nacional, los días 2 y 5 de mayo a las 18:00 y 20:00 horas respectivamente. Centro Cultural Bella Época. Tamaulipas 202 esq. Benjamín Hill, Colonia Condesa.