La definición del verbo

El escándalo que desde Letras Libres provocó Guillermo Sheridan al evidenciar que Sealtiel Alatriste ha adoptado una práctica habitual del cibernauta común y ordinario: el copy-paste (copiar un fragmento íntegro de algún texto para insertarlo en otro), como uno de los métodos para realizar su trabajo –cuando menos el periodístico–, sin dar el respectivo crédito a la fuente, ha producido en los medios de información desde críticas pobres que exhiben un pleito de grupos rivales, hasta un análisis profundo del tema.

Por supuesto que el papel de los medios debe ser generar la reflexión y una verdadera comunicación: un diálogo. En el contexto de un tema tan espinoso como el plagio literario, se agradece la divulgación de textos en los que, si bien, el autor o la autora toma una posición a favor o en contra del acusado, se aborda el asunto a partir de razonamientos y conceptos fundamentados. Prueba de estos artículos son los que han sido publicados en los días más recientes, sobre todo en Milenio y en su versión online.

El inicio de un debate saludable en la materia, alejado de intereses grupusculares, debería aludir, como en el caso de algunos de los artículos del diario referido, al origen etimológico del término plagio, a la existencia de una corriente literaria contemporánea que cree que el citacionismo es obsoleto, o la diferencia entre plagio y apropiación, y no a la defensa a ultranza o al ataque implacable sin bases sólidas.

La discusión debería centrarse en el hecho mismo: un escritor acusó a otro, con pruebas aparentes, de plagiario. No obstante, debido a las condiciones particulares que envuelven a la situación (el cargo como coordinador de Difusión Cultural de la Universidad Nacional Autónoma de México y el Premio Xavier Villaurrutia, a los cuales ya renunció Alatriste), ésta ha derivado en una cadena de chismes y desprestigios dignos del más barato pseudoperiodismo de espectáculos, en medio de los cuáles, emerge como un oasis la información, el análisis y hasta las propuestas incluidos en los artículos de autores como Cristina Rivera Garza, Alfredo C. Villeda, Armando González Torres y Heriberto Yépez.

Alatriste tampoco ha contribuido mucho a limpiar su imagen con su manera de defenderse, sus argumentos y su ausencia absoluta de timing. Cito de nuevo, ahora al escritor y periodista Antonio Ortuño: “Total: próceres romanos por un lado y exhibicionismo de café por otro. Y muy pocos que parecieran darse cuenta de lo divertido que resulta que todo un señor premio Villaurrutia recurra a www.buenastareas.com para inspirarse”.

Mañana inicia la segunda edición de FICUNAM, encuentro que busca posicionarse como un foro en el cual confluya el análisis, a través de proyecciones, coloquios, mesas de reflexión y talleres especiales.

Para los organizadores del Festival Internacional de Cine de la Universidad Nacional Autónoma de México (FICUNAM), el encuentro se diferencia de otro tipo de foros cinematográficos por ser concebido como un espacio para el debate y reflexión entre hacedores de cine, además de plantearse un perfil interdisciplinario y proyectar propuestas independientes y poco conocidas en nuestro país.

En su primera edición, el año pasado, se contó con la asistencia de 15 mil personas, apróximadamente. Ahora se plantea que con diferentes actividades se continúe con el flujo de asistentes a las actividades propuestas. La cinta Wuthering heights / Cumbres borrascosas de la realizadora inglesa Andrea Arnold, será la encargada de abrir la programación del encuentro.

Del 23 de febrero al 1° de marzo de 2012, se presentarán, en la segunda edición del festival, 115 títulos provenientes de 25 países. Se contará con dos secciones de competencia (Internacional de Largometraje y Aciertos. Encuentro Internacional de Escuelas de Cine, que contará con 14 instituciones educativas invitadas). Además de la programación de los apartados: Trazos, Territorios, Ahora México y tres retrospectivas del amplio repertorio creativo y discursivo de los realizadores Peter Tscherkassky, Masao Adachi y Eve Heller.

En la competencia internacional se apreciarán las películas De jueves a domingo (2012), ópera prima de la chilena Dominga Sotomayor, Der fluss war einst ein mensch (2011), realización del alemán Jain Zabeil, Interior/Exterior (2011) del mexicano Mauricio Novelo; proveniente de Japón, Kuichisan (2011) de Maiko Endo, entre otras realizaciones de Argentina, Austria,  España, Estados Unidos, Francia, Rumania, Polonia y Reino Unido.

Para la presente edición se abre una nueva sección Cámara Lúcida: la evolución del documental, la cual busca analizar los caminos posibles del documental, a través de seis trabajos provenientes de Alemania-Bolivia, Argentina, Bélgica, China y Francia.

Nuevamente la Cátedra Ingmar Bergman en Cine y Teatro incluirá varias clases magistrales, entre las que destaca una videoconferencia con el realizador Masao Adachi (actor y guionista con una tendencia del surrealismo al activismo político), talleres y mesas de reflexión acerca del cine contemporáneo y sus relaciones con el arte escénico. Habrá también varias actividades paralelas, como el caso del coloquio Cine Radical, un diálogo entre México y Japón.

En el marco del encuentro, se presentarán los libros Manual básico de producción de Carlos Taibo, Desde el cuarto oscuro. El cine manufacturado de Peter Tscherkassky, editado por Interior 13 y la Fundación Alumnos 47, además dentro de la colección CUEC FICUNAM se presentará la compliación de Go Hirasawa de la obra de Masao Adachi.

Las sedes para el presente año serán: el Centro Cultural Universitario (Salas Julio Bracho, Miguel Covarrubias, José Revueltas y Carlos Monsiváis) que serán reinauguradas después de un proceso de remodelación, excepto la última que será completamente nueva y el auditorio del Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC).

En el circuito exterior a Ciudad Universitaria, se apreciará la programación en el Cinematógrafo del Chopo, el Centro Cultural Universitario Tlatelolco, las Fes Acatlán y Aragón, el Cinema Lumiere Reforma y el Cine Lido, además de las Fábricas de Artes y Oficios (FARO) de Oriente, Milpa Alta, Tláhuac e Indios Verdes. También habrá una selección especial de la programación del festival para la Cineteca Nuevo León y Oaxaca Cine en Oaxaca.

Consulta aquí, horarios y sedes.

La titiritera y dramaturga Mireya Cueto fue galardonada con la medalla Bellas Artes del INBA en sus 70 años de carrera artística y 90 de vida. Honor a una vida de pasión por el teatro

Con una aportación histórica incuantificable y una trayectoria artística monumental, se otorgó la medalla Bellas Artes a la aclamada maestra Mireya Cueto, historiadora de profesión y titiritera de pasión. La ceremonia se llevó a cabo el pasado jueves, en el Teatro Orientación del Centro Cultural del Bosque.

En una semblanza de momentos dorados, la hija de los artistas Lola y Germán Cueto recibió muestras de cariño y admiración de alumnos, amigos y colegas que no cesaron de hablar de su asombro por la vida y obra de la mujer a la que en repetidas ocasiones coincidieron en mencionar: “es ejemplo de vida y fidelidad de si misma”.

Su amigo y colega, el director José Solé, recreó en su propia vida el momento en que un títere llegó a él, y cómo la maestra se presentó ante él, altiva y hermosa “y nunca le perdoné que no me saludara”, pero que desde entonces la admiró y reconoció como talentosa. El escritor Hugo Hiriart, compartió en el homenaje que “todo títere es prodigioso, se trata de un objeto inanimado que tiene vida… Mireya es la superviviente mexicana de la época de mayor esplendor en México… ella ya es inmortal”.

En el emotivo recibimiento de su medalla, Mireya Cueto fue felicitada por su amiga Raquel Bárcena con un recordatorio de sus diálogos favoritos del Quijote de la Mancha, expresados con amor por su compañera. La presea fue entregada por la arquitecta Alejandra Peña subdirectora de Patrimonio Artístico, del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) que resaltó el cariño y respeto que la maestra Cueto tiene por los niños, así como de su trayectoria en el mundo de los títeres y el teatro para infantes.

Durante el homenaje, también los alumnos hablaron, como el actor y escritor Tonatiuh Martínez. Además, dos de sus títeres más famosos acudieron a entregarle un obsequio, un potaje símbolo de su entereza y pasión. Uno de ellos, el renacuajo,  revivió en sus coplas, como años atrás hiciera para asombrar y disfrutar a niños y adultos.

En algo coincidieron todos en la actividad; personas como Mireya Cueto hacen mejor la vida y este premio es un símbolo más de trayectorias ejemplares del medio cultural, y, como dice la maestra: “yo hice lo que tenía que hacer, solo cumplí”. Practicar una vida apasionada de las artes, porque recalca Cueto, “no voy a decir que no me merezco este homenaje. Lo que puedo agregar es que yo cumplí. Todo lo que hice me encantó, lo disfruté. Me lo merezco pero no es para tanto”, así agradeció esta mujer ejemplo de vida y obra.

En el marco del reconocimiento, se presentó el libro Época de Oro del Teatro Guiñol de Bellas Artes, editado por el INBA y Editorial RM 2010, que posee textos de Hugo Hiriart y Fernando de Ita; la obra contiene la historia del teatro relatada por artistas apasionados de la educación y la cultura como esencia de la vida.

La película

El cine tiene una forma diferente de presentar sus historias en comparación con otras disciplinas artísticas. Los ángulos, las narraciones, las ambientaciones y las actuaciones, entre otros múltiples elementos, conllevan un proceso que lo vuelve especial, enigmático y fascinante, pero como todo en la historia de los artificios del hombre ha pasado por un proceso de transformación constante.

Desde su invención ha tenido varias etapas que lo han enriquecido y que han generado figuras que son características de épocas determinadas. Charles Chaplin, Buster Keaton, Harold Lloyd, Rodolfo Valentino y otros grandes personajes del cine silente son homenajeadas en la película El artista (The artist, 2011), la cual ha sido reconocida con galardones del Festival de Cannes, los Golden Globes, BAFTA y Critics Choice Award, además de estar nominada a diez premios Oscar, entre otro múltiples reconocimientos.

El director y guionista Michel Hazanavicius construye una propuesta que plantea, en su forma, una ambientación de la industria cinematográfica de las primeras décadas del siglo XX, desde la tipografía de créditos iniciales hasta locaciones, técnicas de actuación y afiches, que justamente muestran las formas cómo se hacía cine en dicha época.

La película se interna por seis años de vida de la estrella George Valentino (interpretado de manera magistral por el actor francés Jean Dujadin), histrión de cine mudo que disfruta de las glorias de su fama. Es carismático con las admiradoras, altivo con los productores, amigable con la prensa y completamente egocéntrico que puede desdeñar a ciertos compañeros de sus elencos.

En 1927 en los tiempos gloriosos del cine silente, en el cual ver películas era asistir, con ropa de gala, y apreciar una orquesta que tocaba en el lugar, mientras los actores se mantenían expectantes de las reacciones del público. Era un arte vivo. Pero el rodaje de The german affair será el encuentro con una extra, Peppy Miller (personificada por Bérénice Bejo) quien logra atrapar con su singluaridad a los espectadores y va tomando presencia; el lunar arriba de su boca se volverá un punto distintivo en medio de los rostros en blanco y negro.

Dos años después, la pesadilla del personaje principal se hace realidad, el cine se va sonorizando, hay nuevos rostros. En una escalera de los estudios, un encuentro entre Valentino y Miller sintetiza la situación, ella va en ascenso y él de salida, ejemplo de lo anterior, es la producción de su propia película Tears of love, en la cual, el personaje muere tragado por arenas movedizas, símbolo de una industria que no perdona.

Con momentos de tensión y que muestran como el jueves negro y sus secuelas desestabilizaron la vida de todas las personas, el actor empieza a quedar en el olvido, su dinero se esfuma y tiene que vender sus pertenencias para sobrevivir. Mientras el personaje de Chaplin en Tiempos modernos trabaja en diferentes lugares (fábricas y restaurantes), el personaje de El artista, también reciente el desplome de la economía, que lo lleva poco a poco a perder su dinero, prestigio y autoestima.

Miller al contrario, al llegar el cine sonoro logra consolidarse como una gran estrella, pero queda con demasiado dolor al ver a su mentor-ídolo-estrella hundirse. Sin embargo, la película no es derrotista, no es cruel con su ficción y tiene una solución que permite que un relevo, que recuerda a grandes parejas como Ginger Rogers y Fred Aster. Un viaje por una etapa sismática en el cine, vista por los ojos de las estrellas, ya sea en asenso o en el ocaso, que como fuego consume las esperanzas.

Finalmente, la película de ficción, que hace un homenaje al cine silente, es casi en su totalidad muda y tiene bastantes aciertos: mantiene un ritmo ágil, ya que el público está acostumbrado a los diálogos y escenas rápidas y no se aburre, al contrario se interna a la historia; el vestuario y la ambientación se mantienen fieles a la época narrada, y la música (de Ludovc Bource) es determinante para llevar al público de la risa a la sorpresa y a la alegría de haber presenciado una verdadera obra del séptimo arte.

El artista es una producción franco-belga. Dirección de Michel Hazanavicius. Reparto: Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman, James Cromwell, Penelope Ann Miller, Malcolm McDowell, Missi Pyle, entre otros artistas y el perro Uggie.

El espectáculo único en el mundo por su escenario natural, hace su presentación número 36 de ballet clásico en el Lago de Chapultepec: El Lago de los Cisnes.

“Para la Compañía Nacional de Danza la temporada del Lago de los Cisnes es por mucho el evento con más tradición y por supuesto uno de los eventos más importantes en la agenda cultural de la Ciudad de México”, señala Sylvie Reynaud, directora de la Compañía Nacional de Danza (CND).

120 bailarines con la coreografía original de Lev Ivanov, 5 escenarios, pirotecnia y música de Piotr Llich Tchaikosvsky adornaran la isleta del Lago del Viejo Bosque de Chapultepec. El público mexicano presenciará este año muchos otros cambios, uno de ellos, la presentación en México del bailarín de origen cubano Yosvani Ramos, quién actualmente recibió una beca por parte del gobierno Australiano para darse a conocer en América y la Ciudad de México, donde participará en las últimas representaciones interpretando a la pareja del cisne negro.

Natasha Lagunas maestra de la CND  comentó: “Este mágico espectáculo es imponente tanto por sus estructuras y despliegues escénicos como por el escenario natural que sin duda es la estrella del espectáculo, 36 años se dice fácil, el inicio de Lago de los Cisnes, aquí, en el año 77, con una idea de Salvador Vázquez Araujo, director en ese momento de la Compañía, paseaba en el Bosque de Chapultepec y viendo ese escenario se le ocurrió este sueño que se ha presentado desde entonces ininterrumpidamente y noche a noche cada función tiene una magia muy especial gracias a la entrega de los bailarines, es de los espectáculos más interesantes que puede ofrecer la ciudad”, compartiendo su sentir sobre la dificultad que viven los artistas y técnicos para llevar a cabo este espectáculo en este bello escenario natural.

Por su parte, Elisa Ramos, quién el año pasado hizo su presentación en el Palacio de Bellas Artes con La Cenicienta, este año estrenará el papel de Odette, así como el bailarín Roberto Rodríguez que bailará por primera vez el cisne blanco con la primera bailarina Aurora Vázquez y Mónica Barragán que el año pasado interpretó al cisne negro y este año con más madurez volverá a hacerlo para el público mexicano.

Mónica Barragan, quien dará vida a Odile, habló del arduo ensayo, “comenzamos a ensayar desde 20 de enero y la preparación es muy fuerte porque las condiciones del Lago de Chapultepec no son las mismas que las de un teatro, uno se enfrenta con la humedad, el frío y se tiene que estar muy bien entrenado para dar un espectáculo de calidad”. Así mismo dijo lo que esta representación le significa: “muy pocos bailarines tienen el privilegio de estar en una puesta como esta. Todo bailarín quiere llegar a bailar El Lago de los Cisnes, es uno de los ballets más importantes del mundo”.

“La razón de tener a tantas parejas bailando en el Lago son muchas, siempre en las temporadas largas como esta tratamos de darle la oportunidad a la gente que esta promoviéndose en su carrera de bailarín, ustedes saben que el bailarín empieza siempre por cuerpo de baile y va subiendo de categoría hasta llegar a ser un primer bailarín, ¿pero cómo llegaría a serlo si no se le ha dado la oportunidad de hacer un rol de principal en algún momento?, y como son varias funciones, tenemos la oportunidad de preparar a varios bailarines que puedan dar un paso más, dentro de su carrera artística”. Concluyó diciendo Sylvie Reynaud.

El Lago de los Cisnes, se presentará del 24 de febrero al 25 de marzo, a las 20:00 horas en la Isleta del Lago del Viejo Bosque de Chapultepec, con precios que van desde 132 hasta 180 pesos.

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La compañía Pique, Repique y Capote Teatro, con seis años de trayectoria, aprende en cada función la responsabilidad de dedicarse a montar a un solo autor.

Una joven espera el regreso de su enamorado, su padre considera “que lo mejor para ella” es desposarla con otro hombre, mientras un esposo confunde una situación y piensa que su mujer lo engaña con el novio de la muchacha, a su vez la señora imagina que su marido la traiciona, a un lado una doncella mira atónita la situación. El enredo está anudado, la comedia empieza.

Sganarelle o El cornudo imaginario de Jean-Baptiste Poquelin conocido como Molière (1622-1673) es llevado a escena por la agrupación Pique, Repique y Capote Teatro, que lleva seis años descifrando y construyendo una propuesta escénica con base en los textos del dramaturgo francés, autor de obras clásicas como Las mujeres sabias, Escuela de mujeres, El misántropo, Tartufo, El médico a palos, El enfermo imaginario y El avaro, entre otras.

“Después de ver el trabajo que implica hacer comedia, y por supuesto las de Molière, que fue para nosotros el primer planteamiento de nuestra compañía, decidimos montar solo a dicho autor porque nos encantaban los textos y personajes que presentaba en sus obras, que nos daban material para el trabajo que queríamos hacer”, afirmó la directora de la agrupación, Andrea Meza Rodríguez.

La puesta en escena, estrenada en junio de 2010, se ha montado en espacios fuera de lo convencional, han dado funciones en plazas, calles, parques y en varios centros de readaptación social. Además fue presentada en el XVII Encuentro de Teatro Latinoamericano en Copiapó (Chile), el VII Encuentro Iberoamericano de Teatro en Ovalle (Chile) y una gira por Rosario, en Argentina. En México formó parte de la programación de la Sexta Muestra de Artes Escénicas de la Ciudad de México, en noviembre del año pasado.

“Afortunadamente la obra ha tenido una vida la larga, y para nosotros nos revela lo sabio de la escena; la repetición y los diferentes lugares han hecho modificaciones que en ensayo se veían de alguna manera pero en la puesta se van cambiando. Es un trabajo que nunca se deja de hacer, cada función o temporada nos ayuda a seguir trabajando, buscar detalles y concentrarse en puntos específicos de la obra, de los personajes, de las situaciones, de la luz, el vestuario y la música”, subrayó el actor Aldo González.

En la presente propuesta el tema central son los celos como motor de una comedia de enredos, pero también como proyector de las diferentes situaciones emocionales que vive cada uno de los personajes. Para González, quien interpreta a Sganarelle, su papel “es la parte adulta, celosa e irracional de las dos parejas que se presentan, la de los jóvenes y la de los esposos. Es un tipo explosivo pero al mismo tiempo es miedoso y cobarde, pero impulsivo y valiente, es decir es indeciso y lo demuestra al manotear, patalear, gritar y reclamar”.

Tsayamhall Esquivel da vida a la esposa de Sganarelle, quien “se muestra alarmada por el suceso que acaba de ver, los celos la llevan a pensar que su esposo le pone los cuernos, entonces entra en un estado catártico, porque es muy apasionada, no puede soportar la idea de que su pareja esté con otra mujer.”

Celia es “la niña enamorada que tiene su primer amor, Lelio. Es una berrinchuda y justo esa actitud muestra toda la pasión y el torbellino de emociones de la adolescencia y eso permite jugar con la explosión”, afirma Yanil Ruiz. Por otro lado, Gabriel Cabrera personifica a Gorgibus, padre de Celia, quien, desde la óptica del actor, “es el pragmatismo de las relaciones”. Para él se tiene que resolver lo inmediato, el buscar, satisfacer intereses, en el presente caso son económicos, y busca imponer su autoridad de padre, idea que venimos arrastrando, “lo que dicen los padres es lo que se hace, porque ellos siempre estarán buscando lo mejor”.

La doncella interpretada por Andrea Meza, “es esa parte expectante, más bien como espectador en toda la situación que presenta la obra, además muestra a la mujer que quiere volver a casarse, así que busco presentar esas ansias de estar con un hombre. Además, al ser la que está observando todas las situaciones, es la que al final resuelve y los hace ver como  los tontos que han sido por no luchar, atender, esperarse y hablar, en vez de volverse locos”.

Pique, Repique y Capote Teatro propone un juego escénico que, con mínimos elementos escenográficos, construye una ventana a las pasiones que se desbordan y ciegan, las confusiones que son más fuertes que las explicaciones. Después de una función los actores de Sganarelle o el cornudo imaginario se sientan, en el camerino de mujeres, alrededor de una grabadora y empiezan a hablar sobre su propuesta e invitan a conocer “nuestro trabajo, que es de calidad ya que es una manera distinta de abordar la comedia y sobre todo a Molière, ya que al ser un clásico hay ciertos cánones establecidos y nosotros no los respetamos porque también el dramaturgo es un medio para, a partir de él, decir nuestras inquietudes”, considera Cabrera.

Además de presenciar “algo menos conocido de Molière y algo más de Pique, Repique y Capote. Cuando hablas del dramaturgo no piensas en Sganarelle, pocas personas conocen la obra, entonces nuestro montaje se vuelve una oportunidad de conocer un texto, un planteamiento y una compañía que trabaja”, subraya Aldo González.

Sganarelle o El cornudo imaginario se convierte, según Tsayamhall Esquivel, en una franca invitación “a descubrir nuevas compañías, somos chavos que tienen poco de haber egresado de escuelas de teatro, y creen en un proyecto: una compañía que se esfuerza por buscar espacios, patrocinios, tocar puertas y hay una constancia, paciencia y entrega al teatro. Creo que por eso se necesita conocer más allá de las propuestas de personas con excelente trayectoria, que todos admiramos y vemos, pero nosotros también hacemos teatro como jóvenes y hacemos teatro para que la gente se divierta a través de un trabajo de actores preparados y con mucha pasión”.

Hasta el 26 de febrero, el montaje se presenta todos los viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00, y domingos a las 18:00 horas, en el Teatro Sergio Magaña. Sor Juana Inés de la Cruz 114, colonia Santa María La Ribera, cerca del metro San Cosme. Localidades 112 pesos.

Una vez más, la dura jornada de una comunidad confinada en un medio hostil es captada por la cámara: ¿Qué tan obligada a quedarse en ese territorio está realmente la gente que vive en el ejido Cuates de Australia en el estado de Coahuila? ¿Qué tan obligado está el caballo a montar a la yegua? La imagen nos cuestiona.
La eterna batalla del medio contra el hombre (y no al revés). Algo bastante diferente a lo que el cineasta nos había mostrado en su obra más conocida Los ladrones viejos: leyendas del artegio (2007), probablemente su mejor trabajo hasta ahora. La cual, al igual que su más reciente cinta, también fue presentada en el festival de cine documental Ambulante.

La sequía, lo imponente del medio y los cíclicos recorridos de una comunidad unida, todo esto se cristaliza en las imágenes de un burro agonizando y de un caballo intentando aparearse. Las fuerzas extremas que rigen a la gente que habita el ejido Cuates de Australia, son todavía las fuerzas de la misma naturaleza y no las de la sociedad moderna; los niños que juegan a hacerse hombres duros y los adultos que decapitan reses para sobrevivir. En medio de todo esto encontramos el arribo de una nueva vida, un bebé que nace en el seno de la familia protagónica. Todo enmarcado por el clima férreo de aquella región y por la cámara invasora.

El éxodo es una secuencia que se debate entre la sequía de una zona hostil y las opulentas lluvias que meses después le regresan la vida a aquel territorio sediento. En esta transición, esta lucha contra el medio, la cámara de Everardo González se interpondrá como testigo y nos mostrará un filme sobre la existencia misma. La disyuntiva entre migrar hacia un lugar más amable o permanecer allí, leal a la tierra, es lo que pareciera motivar este documental; una dificultad que termina por configurar la identidad de un grupo de gente.

La película pareciera estar ordenada sobre dualidades o binomios; pulsión sexual y pulsión de muerte, ambas encarnadas a través de los animales que transitan el filme. Esto a su vez contrastará con los rituales de supervivencia realizados por los personajes. Contemplaremos el inicio de la sequía y consecuentemente el recorrido de la mirada a través del viaje que emprenden los personajes cuando tienen que abandonar el ejido momentáneamente. La cámara nos señala el regreso del agua con una imponente secuencia fluvial en la que los relámpagos en el cielo destacaran como el elemento visual más impactante. Las imágenes aisladas no serán tan importantes como el recorrido expresivo que generan al acomodarse como filme. Un filme lleno de caminos y en realidad de muy pocos trucos o efectos símbolos; un filme natural que compaña el ritmo de la gente más que imponerse como ritmo narrativo.

Lo que González nos mostrará en escena será un intento por reconstruir en pantalla la jornada de vida de una apartada comunidad mexicana; al mismo tiempo, un intento por documentar un ritual de supervivencia que el humano ha venido representando a lo largo de milenos. Un ritual que tal vez ya esté próximo a extinguirse; todo un universo y una cadena de vivencias que la mirada de Everardo González ha extraído (parcialmente) de su flujo real de tiempo para ponerlo a disposición del ojo enloquecido del espectador moderno.

Ambulante, Gira de Documentales

El pasado 9 de febrero a las 19:30 horas, en la Plaza San Jerónimo del Centro Histórico, al aire libre y bajo un cielo gris que amenazaba con desbordarse de un momento a otro; se llevo a cabo la inauguración de la séptima edición de Ambulante, con la proyección (en formato 3D y de forma gratuita) del documental (aún inédito en México) Pina de Wim Wenders, nominado a los premios Oscar 2012 como Mejor Largometraje Documental.

La finalidad del festival es promover la exhibición del cine documental, mexicano y extranjero, a lo largo del país. Por ello, este año recorrerá el Distrito Federal y, por primera vez, Guerrero seguido por los estados de Puebla, Veracruz, Baja California, Estado de México, Nuevo León, Sonora, Chiapas, Jalisco, Michoacán y Oaxaca.

La selección 2012 está conformada por más de 80 documentales, distribuidos en 12 secciones que se realizarán en más de 110 sedes a lo largo y ancho de la República Mexicana. Para esta edición, y buscando ampliar la oferta cinematográfica y crecer como festival, se estrenan nuevas secciones: Ambulante 3D (que explora las posibilidades de esta tecnología aplicadas al documental), integrada por las obras recientes de dos de los principales representantes del nuevo cine alemán: la ya mencionada Pina de Wenders, y La cueva de los sueños olvidados de Werner Herzog. Otra de las nuevas secciones es Imperdibles, que incluye una serie de eventos que van desde puestas en escena y conciertos documentales hasta el ya clásico Autocinema y la Carpa Ambulante en el Vive Latino, pasando por un taller sobre conservación de arte, Botaniq, que se llevará a cabo en Xalapa.

En Morelia, en colaboración con el CMMAS, se presenta Antropotrip, un documental experimental en vivo, que nos muestra la vida cotidiana en Tijuana. Y finalmente, Reflexiones, nueva sección presentada por Cuauhtémoc Moctezuma, un espacio que busca propiciar el cuestionamiento crítico y constructivo de la sociedad en temas relevantes como el medio ambiente y la educación. Para esto, se realizarán diversos encuentros con reconocidos ponentes, que tendrán lugar después de la proyección de algunos documentales que abordan estos temas. Cabe mencionar que el festival contará con la presencia de más de 100 invitados internacionales y nacionales.

Las otras secciones que componen la programación de este año son:

Dedazo. Los documentales más aplaudidos, celebrados y votados por el gran público.

Pulsos. Muestra de la producción documental realizada recientemente en México, que impulsa y difunde trabajos con voz y visión propia.

Observatorio. Cine documental contado desde diferentes latitudes que plantea formas alternativas de advertir y plasmar realidades.

Dictator¹s Cut. Documentales que abarcan distintos aspectos de los derechos humanos y promueven una reflexión encaminada.

Injerto. Trabajos de corte experimental, que este año presenta una curaduría intitulada El espacio de las afecciones, la cual propone una revisión del momento creado a partir de la proyección cinematográfica: un espacio-tiempo específico, resultado del proceso compartido entre audiencia/observador y artista, que potencia de manera efectiva y afectiva nuestra percepción de la realidad, tanto como cambia/transforma/trastoca la idea que tenemos de nosotros mismos.

Sonidero. Trabajos recientes sobre diversas e innovadoras corrientes musicales, desde propuestas con contenido social y político, hasta conciertos delirantes para miles de ávidos seguidores.

Ambulantito. Sección creada como punto de entrada a distintas realidades a través del cine, creando un espacio de encuentro para niños.

Arthur Omar: Una antología. Este año, el espacio reservado para la retrospectiva es ocupado por Arthur Omar, polifacético artista brasileño, cuya obra constituye una de las más sólidas influencias en la cultura audiovisual brasileña.

Por otra parte, los organizadores anuncian el final de la Beca Gucci-Ambulante, tras cinco años de apoyar la producción fílmica documental mexicana; y que permitió la realización de excelentes documentales que cosecharon una larga lista de premios y reconocimientos a nivel nacional e internacional, entre ellos Presunto Culpable, Los que se quedan, Trazando Aleida, El cielo abierto y El lugar más pequeño. Sin embargo, también se anuncia que entra al quite un nuevo fondo de apoyo que retomará el trabajo realizado durante estos cinco años por Gucci: la Beca Cuauhtémoc Moctezuma-Ambulante.

Esta nueva beca apoyará anualmente y por tres años consecutivos entre 2 y 4 documentales mexicanos que se encuentren en la etapa de post-producción, dando preferencia a proyectos que traten temas relacionados con medio ambiente, educación, arte y cultura, deportes y temas laborales.

La convocatoria estará abierta hasta el 4 de mayo de 2012.

El Centro Cultural Los Talleres en conjunto con el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), ya preparan la XXI temporada Internacional de Danza “Soliloquios y diálogos bailados” 2012.

El encuentro se llevará a cabo del 17 de febrero al 18 de marzo, en el Foro del Centro Cultural Los Talleres, en la Universidad Autónoma de Tlaxcala y San Miguel de Allende en el Foro El Sindicato, siendo las nuevas sedes alternas este año.

El objetivo del festival, es reunir a varias generaciones de artistas nacionales y extranjeros, en una gama de conceptos escénicos que abarcan principalmente el “tanz-theater” danza-teatro como lo concibió Pina Bausch y el Butoh que también es una forma muy teatral de danza, un marco para la unión de danzas de tipo teatral orientales y occidentales a través de las expresiones de artistas visitantes de Argentina, Ecuador, Japón y por supuesto México.

La directora del Centro Cultural Los Talleres, Isabel Beteta, también bailarina y coreógrafa de la Compañia Nemiam Danza Escénica es quien coordina el festival. Su trayectoria la centran como una profesional de la danza egresada de la Licenciatura en Historia del Arte, Artes Plásticas y Literatura Francesa por la Universidad de Rice en Houston, Texas.

El festival presentará un total de 10 obras, dos cada fin de semana. Cada función será distinta ya que alternarán entre los artistas mexicanos y extranjeros, generando una diversidad en la temática de las presentaciones que le permitirán al espectador una apreciación holística de la danza y el concepto que este festival ofrece, diversidad cultural aplicada a los estilos dancísticos.

La inauguración de la XXI temporada Internacional de Danza correrá a cargo de la artista japonesa Kaouru Ikeda, los días 17, 18 y 19 de febrero y el día 15 del mismo mes en la Universidad Autónoma de Tlaxcala, ella presentará dos solos, que forman parte de una trilogía llamada “My Nostalgia”. Las presentaciones siguientes estarán a cargo de las argentinas Rhea Volij y María José Goldínm quienes conforman la agrupación “Pata de Ganso”, Rhea Volij interpreta la obra “Onda gravitacional”, de la coreógrafa María José Goldin, una obra de danza Butoh.

La bailarina mexicana Paola Aimée presenta: “Traslación” y finalmente el regreso de Laura Rocha, de Barro Rojo Arte Escénico, interpretando: “En tu ausencia… como luz en el camino”, será de las artistas que finalicen el festival el 7 de marzo en San Miguel Allende.

Las funciones serán todos los viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 horas y domingos a las 18:00 horas en el Centro Cultural Los Talleres, ubicado en Francisco Sosa No. 29, en Coyoacán.